-EL PROCESO CURATORIAL Y LA EXPOSICION-

“Del mismo modo que una doctrina solo tiene necesidad de ser definida después de la aparición de una herejía, no se hace necesario definir una palabra hasta que ha sido mal empleada”.

T.S. ELLIOT. –Notas para la definición de la cultura-.

HARALD SZEEMAN (1933-2005).Fue quien se invento, no solo la practica curatorial, sino la misma idea de exposición tal y como la entendemos ahora.

Un CURADOR necesita para existir: una institución en la que trabajar, que esta le haga un encargo o desenvolverse como curador independiente. Un vehiculo: La propia Exposición –donde se pretende hacer visibles los conflictos- , con fechas de inicio y finalización, Titulo, Discurso, Obras de Arte y Textos. El resultado de su trabajo: La Exposición, necesita a su vez de un Publico, una respuesta de la Critica, en fin, de un proceso de retroalimentación. Todo ello para volver a comenzar.

El Curador se establece como Productor, la Exposición como Producción, su escenarizacion como discurso y la exposición en si misma como sentido.

En el proceso de un Salón de Arte, en la convocatoria se definen los ejes temáticos, el problema, la mirada o perspectivas críticas que serán desplegadas en la puesta en escena de la exposición. Luego se da la selección y premiación que realizan los jurados con su respectiva acta -debidamente desarrollada, con observaciones generales sobre las obras y específicos sobre las piezas ganadoras, y la ubicación de la selección en el espacio expositivo- y así se completa el proceso curatorial de dichos eventos.

De igual manera cuando se realiza una exposición individual o colectiva, debe suceder todo este proceso. Las Exposiciones o los Salones en los que se incurra en la carencia de alguno de estos aspectos, no pueden ser considerados como hechos profesionales. Seguramente navegan más en las aguas de lo comercial o de ese folklorismo con el que se aborda con regularidad la realización de este tipo de eventos . La exposición debe poseer un discurso y generar sentido.

La Exposición es un dispositivo que marcha en paralelo al propio Arte, que dialoga con el en búsqueda de esa meta-producción que permita generar contexto y espacio critico.

-MUJER, ARTE Y ACTIVISMO-

En los últimos años, al entrar en ciertas salas de exhibición, algunos espectadores se ven sorprendidos por las propuestas que se presentan. Estas los desconciertan, no vislumbran como eso que allí se expone puede ser considerado arte. Para comprender, en algo, algunos de los actuales planteamientos artísticos, hay que entender la evolución que han sufrido el concepto de “Artista” y la “Función” del arte.

En esta evolución es muy significativo el aporte del arte-activista y la mujer. De por si, el activismo artístico es un fundamental aporte realizado o desarrollado mayoritariamente por las mujeres.

El Arte-Activista surge a mediados de los setentas, de la unión del activismo político con las tendencias democratizantes originadas en el Arte Conceptual de finales de los sesentas y principios de los setentas.

El Arte Conceptual trataba de realizar un trabajo “No Artístico” y comprometido con su época. Era el más corrosivo, porque incorporaba palabras con imágenes, cuestionaba la primacía del objeto, las estéticas del arte como mercancía y reivindicaba los derechos y la dignidad del artista -uno de los más influyentes fue el Fotógrafo VICTOR BURGIN, quien fue el primero en interesarse por las semióticas políticas de las representaciones fotográficas y el psicoanálisis-, conjugando la labor de creación con la reflexión teórica, cuestionando la distribución y la jerarquía de la información, y la naturaleza de la representación en los medios de comunicación. Por otro lado, los movimientos sociales de finales de los sesentas: Mayo del 68 y el movimiento hippie, hicieron patente, entre los artistas, la necesidad de un arte socialmente más responsable que ayudara a cerrar la brecha entre arte y vida.

Los medios conceptuales: Video, Performancia, Fotografía, Textos y Acción, y mezclas de estas disciplinas, favorecen el incremento de la participación de las mujeres en el arte. Estos condujeron a una dispersión del arte en general y fue punto de partida para el pluralismo. Decían los Conceptualistas que: “El arte mas interesante se podía hallar en las energías sociales no reconocidas como arte”. Esto expandiría las posibilidades de la expresión artística.

El activismo es un proceso más que un objeto o producto. Es una forma cultural que adapta y activa elementos de las prácticas estéticas criticas y las une orgánicamente con elementos de activismo.

Sus formas de actuar son las que fomentan la participación de la comunidad y del público. Se desarrollan “Acciones temporales”, “Performances” o “Instalaciones” como la de WAC o GUERRILLA GIRLS, como respuesta del mundo del arte ante los ataques políticos conservadores hacia las minorías étnicas, la inmigración, las mujeres y homosexuales. Estas acciones activistas tratan de influir en el mundo artístico, en prácticas gubernamentales o en ambas cosas a la vez. Teniendo siempre presente que su mayor compromiso es con LA SOCIEDAD y no con el arte.

Muestran interés por los derechos civiles, la identidad étnica y racial, la crisis del SIDA, la violencia contra las mujeres y el sexismo, el racismo, la preocupación por el medio ambiente, la gente de la calle, la 3ª edad, la inmigración ilegal, la vivienda, el mundo del trabajo y lo laboral.

Los primeros colectivos activistas en el mundo del arte, y modelos para colectivos posteriores, fueron los producidos por el movimiento de mujeres. La influencia de teorías feministas conduciría al arte realizado por mujeres hacia un colaboracionismo y hacia estrategias activistas, desde las que se reivindicaría una posición real dentro del arte y una revalorización de la identidad y los derechos de igualdad de las mujeres; en contra de la mirada única, de una historia de dominación masculina y de raza blanca.

En 1970 “AD HOC WOMEN ARTIST COMITÉ” lanzo una ofensiva contra la exposición de arte anual del Whitney Museum. Falsifico un periódico del Whitney anunciando que el 50% de participantes eran mujeres, y que, de ellas, la mitad era “No Blancas”. En la inauguración se proyectaron diapositivas de obras de mujeres en los muros exteriores del museo, mientras se instalaba, dentro del edificio, una plataforma reivindicativa. Dicha actuación fue considerada un acto delictivo y por esto fueron buscadas y encarceladas por el FBI, las artistas: LEE LOZANO, YOKO ONO, MARTHA WILSON e YVONNE RAINER.

Hasta mediados de los 80 los aspectos teóricos se desarrollaron más que los prácticos. En esa década el activismo da la lucha contra situaciones de discriminación sexista y racista, artistas de color y homosexuales. En los años 80 la crisis del sida politizo el mundo del arte.

"GUERRILLA GIRLS” (creado en 1985) “Conciencia Del Mundo Del Arte”, denuncia las exclusiones sexistas y racitas del mundo del arte. De esta organización salieron los colectivos feministas: “THE SISTER SURVIVAL”, “MOTHER ARTS”, “FEMINIST ART WORKERS”.

“WAC”-“Womens Action Coalition”- (Es creado en 1989). De 1992-1993 crece desorbitadamente. Llego a estar en más de 30 ciudades como: Berlín, Paris, Toronto y diversas capitales de Estados Unidos, siendo el más activo el de Nueva York. Su creatividad en los medios y actuaciones en lugares oportunos les labro gran popularidad. Su objetivo: Poner públicamente de manifiesto problemas sociales de todo tipo. “WAC IS WATCHING”------“WAC ESTA VIGILANDO”. Reza el cartel donde se ve un gran ojo escrutador y que ha sido pegado en las calles de las ciudades.

En los 90s el activismo se centro en poblaciones étnicas y las minorías como poder político, y en el medio ambiente. Con artistas como: “MARK DION”, “MEL CHIN”, “VIT NGO”, “DOMINIQUE GW MAZUED” Y ¡MIERLE LADERMAN UKELE”.

Actualmente se destaca la recuperación de ciertas estrategias apropiacionistas del Arte Contemporáneo, en cabeza de la artista BARBARA KHRUGER y colectivos como: “PINK LADY” o “WHAM” (Womens Healt Activis Movement), “QUEER NATION” (Colectivo gay), “GANG” (Colectivo lesbico).

Al entrar en los Mass-Media, los artistas asumimos papeles de Periodistas o Comunicadores, Educadores, organizadores, Moderadores de Debate, activistas utópicos, topografos culturales e interlocutores.

Todas estas manifestaciones han planteado el Arte como Comunicación.

-EL ARTISTA DEL RENACIMIENTO, HOY-.

El arte no es más que un espejismo.
La belleza del espejismo
es lo único que existe.
Marcel Duchamp.

El artista del Renacimiento era un creador que navegaba de la pintura a la arquitectura, a la escritura, a la invención, a la escultura y así, a las áreas donde podía mostrar su creatividad.

La invención de la fotografía libero al artista de la carga de “representar” el mundo, de ilustrar la historia y lo invistió de una libertad total para crear. Es ahí cuando el arte comienza a ser creativo, vemos un interés absoluto por innovar y arriesgarse en las posibilidades de expresión –El Impresionismo-, y de allí en adelante los artistas –Picasso- y los Istmos del siglo XX propendieron por esto.

El artista contemporáneo tiene la posibilidad, el conocimiento y sobre todo la libertad para abarcar más allá de una línea de expresión. Y como no entender esto cuando la época en que vivimos nos presenta soportes nuevos tales como la Internet.

Esto ligado a la creatividad del individuo, a su necesidad interior, le permite recurrir a cualquier posibilidad de expresión que exista. Hay artistas que desarrollan toda su obra en la misma línea de expresión. Se es pintor desde la escuela hasta la muerte física, y esto es valido. También es valido para el artista contemporáneo embarcarse en una u otra línea de expresión, ya sea por la necesidad misma para que su idea sea representada en su totalidad, porque el tema que aborda lo requiere, o tan solo por su gusto y deseo personal.

La obra de un artista se puede desplazar en muchos derroteros, en varios frentes, yo siempre he creído en el hombre del Renacimiento, un hombre que pinta, diseña, construye, inventa, etc. Esto le permite moverse desde la tradicional “pintura de caballete” hasta los nuevos medios, incluyendo el uso de materiales intangibles como la luz o el sonido.

Hay en el mundo actual una gran diversidad de áreas de la creatividad abiertas a los artistas, y como resistirse a entrar en ellas cuando el artista posee el conocimiento técnico, la recursividad, una mente inquieta y abierta que lo ubica en un nivel que le permite, además del desarrollo de su obra personal, involucrarse en la publicidad, el diseño, la arquitectura y demás áreas creativas. Cuantos empaques, mobiliarios, objetos y demás, han sido realizados por ellos. Cuanto bien le ha hecho a la industria la creatividad de los artistas.

Ahora al hablar de la obra personal de un artista, es tremendamente valido que esta gire bruscamente de un momento a otro, de una exposición a otra, o este dando saltos de una técnica o expresión a una distinta, sin la nesecidad de ser encasillado como “solo esto”. Se pude ser toda la vida un pintor, video artista, escultor, desarrollar toda su obra en un solo medio de expresión. Pero hay que volar y no rasgarse las vestiduras cuando se esta frente a un creador que bien lo hace en todas las líneas de expresión que abarca. Eso si, los Artistas deben tener mucho cuidado de no créese el mito de Midas y terminar convencidos que todo lo que se toca, se vuelve ARTE.